Asociación cultural para promover el uso del vinilo como soporte para escuchar música. Tienda de discos en Salamanca. Estamos en C/ Nieto Bonal, 3-5. (junto a plaza del Oeste). Salamanca.
Desde Benicarló (delta del Ebro) llega este trío transgresor, poderoso, prolífico y autogestionado que actuará por primera vez en Salamanca y que nos dará lo que necesitamos. Tras cientos de conciertos por toda Europa y la península ibérica, están a punto de editar su nuevo disco, un doce pulgadas compartido con Martí cuando todavía no se han apagado los ecos de su potentísimo EP «Noisehits» publicado ahora hace un año. Ramal participa en la coedición de ambos trabajos. Su concierto en Salamanca precede a su enésima gira europea que se disponen a realizar por países de Europa del Este durante los meses de abril y mayo de 2022.
En su perfil de Twitter, Steve Albini se describe como ingeniero de sonido que juega al billar y al póquer y que come como un vikingo. Se echa en falta su definición como músico, a nuestro entender de vital importancia sobre todo en las décadas de los ochenta al frente de la banda Big Black y en los noventa como guitarrista y cantante del trío Shellac.
En el monográfico que se le va a dedicar en Ramal sonarán ambos grupos, como no puede ser de otra manera.
Su labor como ingeniero de sonido grabando y mezclando cientos de discos desde los primeros años noventa es considerada básica, de marcada personalidad y muy influyente por su forma de hacer las cosas: sin aditivos, sin artificios, buscando siempre plasmar de la manera más fiel posible el sonido de los artistas que está grabando. Algo que ha logrado sobre todo con impresionantes resultados y gran reconocimiento en su propio estudio, Electrical Audio, ubicado en la ciudad de Chicago (Illinois). La tercera parte de esta audición estará dedicada a ilustrar algunas de esas grabaciones.
En Ramal nos gusta premiar tu fidelidad. Tanto en nuestra tienda on-line como en la sede física estaremos haciendo rebajas, promociones especiales e incluso regalos hasta el 10 de diciembre de 2021.
Todas las compras se verán recompensadas. Prometido.
Desde la publicación de los primeros 7” y 12” de música post-punk y consecuentes derivados a finales de los 70, hasta la cristalización del rock gótico más canónico en la segunda mitad de los años 80, en la audición “Espectro Gótico” nos adentraremos en las tinieblas de este género, romántico por antonomasia, en el que voces lánguidas y etéreas de exponentes como Elizabeth Fraser, se dan la mano con los ritmos industriales proto-tecno de bandas como Sisters Of Mercy, o los arreglos neoclásicos de Dead Can Dance.
En este viaje, en el que prescindimos del orden cronológico, nos centraremos en los paisajes sonoros, escogidos y agrupados en función de las sensaciones que transmiten al oyente, para crear un flujo constante (que no estático) de distintos tonos de oscuridad, tanto la presente en los páramos donde habitan cowboys cubiertos de polvo, como el opresivo ambiente industrial de las ciudades industriales de la Inglaterra más ochentera.
Don Antonio Chacón, Manuel Torres, Pastora y Tomás Pavón y el Niño Gloria serán los protagonistas de nuestra próxima audición de flamenco el sábado 27 de noviembre a las 18:30 horas.
Estos nombres legendarios para los aficionados al flamenco dieron forma a la que está calificada como Edad de Oro del cante. Una de las etapas fundamentales de la evolución del flamenco que abarca desde las últimas décadas del siglo XIX hasta prácticamente la Guerra Civil.
Este periodo coincide con el invento del gramófono, la comercialización de los cilindros de cera y ya después de las placas de pizarra. Debido al éxito del genero flamenco por esas fechas, un gran número de artistas fueron registrados desde finales del siglo XIX. Para hacernos idea de lo que esto significa, solo tenemos que comparar las fechas de las primeras grabaciones de Chacón y Torres (1899 y 1908) con las de leyendas del blues como Charlie Patton y Robert Johnson (1929 y 1936) o las de Kid Ory y King Oliver en el jazz (1922 y 1923). Gracias a estos registros podemos saber, más allá de teorías y a pesar de las limitaciones tecnológicas, el estado del cante flamenco hace más de cien años, en aquellos años cruciales para la consolidación del género, y conocer de primera mano la voz de estos cantaores históricos.
Don Antonio Chacón (1869-1929), jerezano pero no gitano, fue un creador infatigable de músicas y letras, encarnando para siempre la figura del cantaor enciclopédico y dominador de todos los cantes. Considerado el número uno de su época, su legado armónico y musical es el que predomina entre los cantaores actuales.
Manuel Torres (1878-1933), también jerezano, representa la otra cara de la moneda. Bohemio e irregular, el eco de su voz le ha convertido en el máximo representante del cante gitano más salvaje, el de los sonidos negros que decía Lorca. Un sonido hoy prácticamente en vías de extinción.
Pastora Pavón (1890-1969), también conocida como la Niña de los Peines, es el flamenco hecho carne. Con una voz definida por Lorca como de estaño fundido, destacó por su dominio de todos los palos, llegando a ser calificada como emperadora del cante gitano. Muchos aficionados afirman que no se ha conocido ni se conocerá nadie mejor que ella.
Aunque no tan popular como su hermana mayor, La Niña, Tomás Pavón (1893-1952) ha sido un referente del cante de mayor calidad y de la escuela de Triana. Considerado muy raro, solo le gustaba cantarle a los buenos entendidos, por su “manías” no llegó donde muchos piensan que debería haber llegado: a ser uno de los máximos representantes del cante gitano de todos los tiempos.
Por último, Rafael Ramos Antúnez (1893-1954), más conocido como el Niño de Gloria, no está considero a la misma altura que el resto de compañeros de audición, aunque alternaba con ellos en los escenarios de la época. Sin embargo el jerezano dejó como legado su maestría en las bulerías y saetas y, sobre todo, la creación de un personalísimo fandango que posteriormente ha sido recreado por artistas de la talla de Enrique Morente, Camarón o El Sordera.
Ponente: Rafael Mateos.
Sábado 27 de noviembre. 18:30h. Entrada libre hasta completar el aforo.
El viernes 15 de octubre volvemos a embellecer la pared turquesa de Ramal, tras un año y medio sin exhibir la obra de ningún artista.
El fotógrafo barcelonés Robert Martínez lleva más de media vida captando con su cámara analógica hermosas instantáneas. En Ramal tendremos el gusto de exponer una hermosa selección.
Aphex Twin es el alias más conocido de Richard D. James, músico nacido en 1971 y criado en Cornualles. Su música es esencial para comprender el desarrollo de la electrónica a lo largo del final del siglo XX y el principio del XXI.
Para Richard, la relación entre la música y la electrónica siempre fue una cosa muy obvia. Según él, con 11 años ganó un concurso de una revista gracias a obtener sonidos en un Sinclair ZX81, un ordenador sin ningún tipo de hardware de sonido. James también afirma que comenzó a cambiar circuitería de sintetizadores analógicos en torno a los 13 años y que empezó a grabar música con 14 años (de esa época son algunos de sus temas del LP Selected Ambient Works 85-92). Aunque sobre la figura de Aphex Twin, la frontera entre mito y realidad esté bastante desdibujada (algo a lo que ha contribuido el propio Richard), todo esto nos indica que estamos ante uno de los artistas más prolíficos, personales y variados de la historia de la música electrónica.
En esta audición pretendemos hacer un recorrido en orden cronológico de Richard D. James como Aphex Twin. Trataremos de enfatizar el carácter ecléctico de su música, que incluye tanto temas frenéticos que sobrepasan los 160 bpm como composiciones de ambient o música clásica contemporánea.
El próximo sábado 16 de octubre a las 10:30h tendrá lugar este esperado taller en Ramal, que quedó aplazado el pasado mes de marzo de 2020 por la pandemia. MUTAN MONKEY INSTRUMENTS se hará cargo y nos lo vuelve a servir en bandeja.
El taller se centra en la relación de las frecuencias sonoras y lumínicas, haciendo una inmersión en las oscilaciones visuales y auditivas desde su estado más sensorial y primario. A partir de principios básicos de electrónica, cada participante se construirá un pequeño y potente sintetizador analógico basado en 2 osciladores de onda cuadrada con células fotosensible (LDR) o bien potenciometros para el control de frecuencia y pulso de onda. El resultado es un instrumento rítmicamente caótico, orgánico, ruidoso y sensible a la incidencia de la luz, sombras o movimiento.
Duración del Taller: 3 Horas
Precio: 40€ (todos los materiales incluidos)
Para inscribirse, enviar un correo a: ramaldiscos@gmail.com (las plazas son limitadas)
“Gamelán” es el nombre que recibe la orquesta tradicional indonesia, que consiste fundamentalmente en un conjunto instrumental de naturaleza percusiva (de “Gamel”, que significa “martillo”).En 1889 en la Exposición Universal de París, el pabellón de Java presentaba un “Kampong” o pueblo, con todos los aspectos de la vida comunal, desde las prácticas agrícolas a la religión y el entretenimiento. Como era natural había un “gamelan”, ya que formaba una parte muy importante de la vida religiosa y social del pueblo.La música del gamelán creó sensación entre los músicos occidentales. Los compositores se pasaron horas escuchando, transcribiendo las melodías y examinando los instrumentos y sus ajustes. Para Erik Satie (1866-1925), la exposición de París fue una experiencia inolvidable y utilizó los repetitivos efectos hipnópticos del gamelan en su obra para piano “Gnossienne”. Pero además de esa influencia directa, puede que indirectamente calara en su música el espítiru del gamelan. En 1917, Erik Satie creó la primera de una serie de piezas que describió como “música de muebles”, composiciones diseñadas para ser tocadas de fondo, añadiendo pasivamente ambiente a una habitación como lo haría una decoración de buen gusto. La serie musical de muebles de Satie consistía en piezas cortas diseñadas para repetirse indefinidamente (o el tiempo que fuera necesario), con sugerencias para las situaciones en las que serían más adecuadas: «durante un almuerzo», «en un vestíbulo» o «en un bistró». ,» por ejemplo. Aunque la conceptualización de Satie de la música para muebles era un poco graciosa, sus estructuras simples y repetitivas se adelantaron al movimiento minimalista, teniendo un gran parecido con el trabajo que vendría más tarde de John Cage y Terry Riley y, finalmente, con el “ambient” conceptuado por Brian Eno tal y como lo entendemos ahora.Japón siempre merece un capítulo aparte cuando hablamos de ambient. Si bien kankyō ongaku, un término japonés que significa «música ambiental», se refiere hasta cierto punto al mundo natural, la palabra «medio ambiente» en este contexto se está utilizando de manera mucho más amplia. Es un término que se utiliza para describir la música que se hace para complementar el entorno en el que existe y resaltar más su carácter latente. Kankyō ongaku comenzó en Tokio a finales de los 70 y principios de los 80.El compositor y percusionista Yaz-Kaz tiene un origen único en comparación con la mayoría de los artistas kankyō ongaku. Hambriento de sonidos nuevos y emocionantes para expandir su oficio, Yas-Kaz fue a Bali para estudiar gamelán, inspirando a Ryuichi Sakamoto y su compañero percusionista Midori Takada a explorar los sonidos de los gongs en su propio trabajo. “Encuentro riqueza en los instrumentos y en los sonidos que la música moderna y occidental ha dejado atrás”, dice acerca de explorar la música de la tradición balinesa.En la España de los ochenta, músicos de vanguardia en Madrid, hippies experimentando con instrumentos exóticos… editaban casetes caseros que distribuían por correo. Finis Africae era una de estas formaciones auténticamente underground, cuyo ambient expansivo y global les ha llegado hasta Japón, donde el sello EM ha reunido una antología
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